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      • 杉本博司的“无尽的刹那”

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        作者:戴维章来源:中国艺术报2024-04-02 07:27:31

          威尔士王妃戴安娜(明胶银盐相纸) 1999年 93.6×75cm 杉本博司
          ©
          Hiroshi Sugimoto 图片由艺术家提供

            在3月23日至6月23日于北京UCCA尤伦斯当代艺术中心呈现的艺术家杉本博司中国首个重要机构个展——“杉本博司:无尽的刹那”中,世界范围内首次亮相的巨幅作品《笔触印象,心经》极为吸引眼球。据杉本博司介绍,这次创作中,他并未使用相机,而是于暗室中用毛笔蘸取显影液或定影液在过期废弃相纸上书写的佛教最著名的经文之一——《般若心经》 。作为东亚佛教文化中的经典,《般若心经》成书于印度,翻译于中国,流传至日本,延续至今成为全世界的精神财富;而他在创作此件作品时探索了新的摄影创作方式,同时观众也将从中感知到佛教经典背后所蕴含的时间与文化的聚散流转。

            这件《笔触印象,心经》也非常贴合展览主题“无尽的刹那”的三重意指——“无尽”与“刹那”作为含义相对的词汇,在时间横轴上分别代指两种极端,二者通常不会并用描述同一事物,但在杉本博司的作品中,原本矛盾的两极却得以巧妙地融合;作为描述时间的词语,指涉其所使用的摄影技术,如长曝光对时间“无尽”的压缩与相机定格的“刹那”瞬间;“刹那”作为梵文音译词,随着唐代佛经翻译运动被译成汉语,暗指艺术家对历史中的文化流动性与东亚佛教文化的一贯关注。

            在展览中,11个系列、127件摄影、装置和雕塑作品全景式地“定格”了杉本博司这位世界级艺术家50年的艺术生涯。展览汇集了其最早期的创作,以及享誉国际的“海景”“剧场”“放电场”“肖像”等系列和暗室书法作品《笔触印象,心经》,聚焦呈现杉本博司对时间和记忆的既定理解所进行的富有哲理而又充满趣味的探索,以及摄影作为兼具纪实与虚构功能的媒介的多义性。“此次是我的作品第一次在中国的美术馆中展出,最高兴之处莫过于能让我的作品和我不曾想象过的观众相遇。意外本身,才是最能够鼓舞我的事。”谈及此次展览,杉本博司这样表示。

            杉本博司于20世纪70年代在纽约开启艺术生涯,他的作品尤其是精妙的大画幅胶片摄影,重塑了人们对摄影这一“时间媒介”的理解。彼时,摄影术的发展不过100余年,是否可作为艺术媒介的争论也才刚结束,纪实摄影成为当时广泛接受的摄影艺术类型,此时来自东方的杉本博司开始思考如何在东亚传统文化、当代艺术与摄影技术之间找寻自己的立足点,并逐步确立了其独树一帜、愈发趋于完善的美学特征与创作理念:观念先行,用大画幅相机与胶片进行拍摄,并不断深入探索19世纪以来诸如实景模型、蜡像和建筑等摄影主题和实践。

            此次展览首先以极具视觉冲击力的“放电场”系列作为开篇,引领观众身临其境地感知杉本博司对时间的哲学性探究与东西方美学的交融。在此系列作品中,杉本博司实验性地摒弃了相机,用胶片直接捕捉电流能量瞬间的释放,创作出犹如宇宙大爆炸重现般的作品。这既是杉本博司对摄影技术不断实验与创新的体现,也为摄影艺术的发展拓展了新的可能性。另一侧及大展厅内的“光学”系列则是杉本博司50年间创作的唯一彩色系列作品。受牛顿光学实验的启发,自2009年开始,杉本博司便尝试捕捉光线,他通过自己改良的三棱镜分解阳光,将折射后的光线反射至墙上,然后再用老式宝丽来相机进行拍摄。经过近十年的不断实验,最终呈现出的大尺幅图像,令人仿佛迷失在微妙的色彩渐变之中

            步入大展厅,公众最先会看到的是杉本博司历经40余年拍摄的“剧院”系列。这个系列始于1976年,杉本博司根据胶片电影的放映长度来设定曝光时间,将整部电影的上万帧画面压缩为一张静止的图像。这种长曝光下闪耀的屏幕不仅凸显了观影这一集体仪式的精神特质,同时也唤醒了观者对屏幕背后所承载时间的深刻记忆。此后,杉本博司继续在影院和剧院环境中深入探索长曝光的创作方法:“汽车影院”系列捕捉到了室外屏幕后飞机和星星的轨迹;“歌剧院”系列见证了历经岁月洗礼的欧洲剧院的宏伟与不朽;“废弃剧场”系列则揭示了由于时代的变迁,传统的老式电影院在时间流逝中慢慢被荒弃的过程。

            杉本博司的“海景”系列展现了他过去40多年在世界各地拍摄的海景,这些作品中没有人类的痕迹,只有均分画面的大海与天空,犹如一幅幅抽象表现主义绘画的照片,浓缩了杉本博司对时间、空间以及人类意识起源的深刻叩问。而在“肖像”系列中,杉本博司通过拍摄伦敦杜莎夫人蜡像馆的蜡像模型,展现了500年间诸如拿破仑、莎士比亚和伦勃朗等众多历史人物的风采。在摄影术诞生之前,蜡像曾是人们用来捕捉人像最真实的手段。杉本博司选择蜡像作为创作对象,基于他对文艺复兴绘画的研究,借助精心布置的光影条件,并在拍摄时将拍摄对象放大约20%,从而强化了这些肖像在宏伟历史传统中的印象,用相机令蜡像模型重焕新生。这些“重生”的历史人物所引发的时空错位感,将令观者对自己所看到的景象感到困惑和不解。对此,艺术家表示:“如果你觉得这张照片栩栩如生,那么你应该重新审视当下活着的意义。”

            在大展厅尽头的“佛之海”系列作品,拍摄了位于日本京都三十三间堂中1001尊雕刻于13世纪的千手观音像。自1988年起,杉本博司经过7年申请,最终仅获得为期10天、每天3小时的拍摄时间。在拍摄时,他去掉了寺中所有后期装饰,成功捕捉了太阳初升时熠熠闪光的千尊塑像,重现了平安时代人们所看到的壮丽景象。在“佛之海”系列作品前,与之对应摆放的是用高透玻璃制成的“五轮塔”系列作品;而《当麻寺01-12》(7-8世纪/2008)和极少展出的《反重力结构》(2007)两件作品则以装置的方式,将奈良时期的当麻寺三层塔的古木与局部木梁结构实物的照片进行呈现。在人类追溯自身和宇宙起源的岁月长河中,佛塔与古寺留存下来,成为精神依托的图腾或符号。在杉本博司看来,“佛之海”镜头下复现的那组壮丽而辉煌的雕像,即是20世纪七八十年代观念艺术及装置艺术的12世纪版本。他透过这些作品提出了深刻的追问:“今时今日的观念艺术还能再存活800年吗?”

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